Содержание статьи
Также по теме

АКТЕРСКОЕ ИСКУССТВО

АКТЕРСКОЕ ИСКУССТВО, искусство создания сценических образов (ролей) в театральных и других зрелищных представлениях; вид исполнительского творчества.

Определяя в общих словах основной принцип актерского искусства, можно сказать, что это – принцип перевоплощения, когда актер как бы олицетворяет себя со своим персонажем, говорит и действует от его имени. Однако техники актерского мастерства, существующие на основе этого общего принципа, могут кардинально отличаться друг от друга. Так, принято различать внешнее и внутреннее перевоплощение. При этом внешнее или внутреннее перевоплощение может быть выражено через формальные технические приспособления – грим и костюм (например, сложнейший портретный грим М.Штрауха в роли Ленина в нескольких спектаклях и фильмах – внешнее перевоплощение; отсутствие обязательного накладного носа у С.Шакурова в роли Сирано де Бержерака – перевоплощение внутреннее). Или: то же внутреннее или внешнее перевоплощение могут быть основаны на психо-эмоциональных актерских приспособлениях – т.н. «школа представления» и «школа переживания». В первом случае роль строится актером преимущественно на ярко театральных, часто – фарсовых приемах; во втором – на приемах жизнеподобия, достоверности. Тем не менее, понятия внешнего и внутреннего перевоплощения могут быть разделены лишь относительно. Театральное искусство предельно условно по своей природе, и, даже полностью следуя известному принципу «четвертой стены» (якобы отделяющей сцену от зрительного зала), актер в своей работе гибко взаимодействует с реакциями публики, с одной стороны – подстраиваясь под эти реакции, а с другой стороны – управляя ими. Собственно, и зритель прекрасно чувствует принципиальную условность театрального искусства: даже полностью сопереживая героям, он не смешивает актера с персонажем, а сценическую реальность – с жизненной. Исключения можно наблюдать лишь в детском театре, когда неискушенные юные зрители могут кричать во все горло, предупреждая персонажа о грозящей ему опасности.

Рабочие инструменты актера – это его психофизические данные: тело; пластика; моторика; голосовые данные (дикция, связки, дыхательный аппарат); музыкальный слух; чувство ритма; эмоциональность; наблюдательность; память; воображение; эрудиция; скорость реакции и т.д. Соответственно, каждое из этих качеств нуждается в развитии и постоянном тренинге – только это позволяет актеру находится в рабочей форме. Как балетному актеру каждый день приходится начинать с цикла упражнений у станка, оперному – с вокализа и распевок, так драматическому актеру насущно необходимы ежедневные занятия сценической речью и движением.

Каждая сыгранная роль является сложным конгломератом творчества нескольких индивидуальностей: полноправными соавторами актера в процессе подготовки спектакля становятся драматург, режиссер, композитор, балетмейстер, художник, гример и другие члены постановочной группы. Однако на самом спектакле актер остается один на один со зрительным залом; он становится конечным проводником, транслятором коллективного творческого замысла зрителю. Важнейшим соавтором актерской работы становится и сам зрительный зал, внося ежедневные коррективы в отрепетированную роль. Процесс актерского творчества всегда совершается совместно со зрителем, в момент спектакля. И каждый спектакль остается уникальным, неповторимым.

Исторический очерк.

Истоки актерского искусства восходят к массовым действам ранних языческих обрядов и ритуалов, синкретически объединивших зачатки всех видов искусства. В этих обрядах разыгрывались, подавались в театральной форме различные сцены, связанные с ключевыми моментами жизни общества (охота; действия, сопровождающие смену календарного цикла и долженствующие способствовать плодородию; ритуалы инициации; действия, направленные на взаимоотношения с духами предков и богами; и т.д.). Постепенно массовые ритуальные действия, исполняемые всем родом или племенем, преобразовались в групповые, что закономерно привело к разделению участников на исполнителей и зрителей. Первыми предшественниками актеров были, несомненно, шаманы и жрецы, чьей главной задачей (наряду с осуществлением магических действ) было эмоциональное воздействие на зрителей.

В дальнейшем намечаются два пути развития театра в целом и актерского искусства в частности. В одном случае (страны Востока) театр сохраняет устойчивую связь с религией, и актерское искусство формируется под влиянием присущих религии аллегорических приемов выразительности, бережно сохраняя застывшие традиционные формы и совершенствуясь внутри четких канонических рамок (например, индонезийские театры «топенг» и «ваянг-голек»; японские – Но и Кабуки, и т.д.). В другом случае (античная Греция) в драматургии и театральном искусстве все отчетливее звучат светские, социальные мотивы, что способствует более гибкому развитию разнообразных форм театра и актерских техник.

История европейского актерского искусства в свою очередь распадается на две основные линии развития: народное искусство странствующих актеров (как правило, составляющих оппозицию официальной власти и формирующееся в жестких условиях постоянных преследований и гонений), и официальное театральное искусство (развивающееся при поддержке власти, – как клерикальной, так и светской, – широко использующей театр в идеологических целях, формируя систему политических, правовых, религиозных и т.п. взглядов общества). Практически вплоть до конца 19 в. эти две линии актерского искусства развивались изолированно друг от друга (о взаимовлиянии можно говорить скорее на материале театра в целом). Толчком к синтезу, объединению и взаимопроникновению двух различных актерских техник послужило зарождение искусства режиссуры, выведшего театр на принципиально новый уровень развития. Так, первые опыты перенесения народной актерской техники в сценические постановки были предприняты в театральном искусстве Серебряного века (практическое изучение принципов комедии дель арте и балагана). До этого времени народная линия актерского искусства развивалась в едином русле – основываясь на импровизации, злободневности, постоянных персонажах-масках, культивирующих скорее типические, нежели индивидуальные черты. Зато официальное европейское актерское искусство, развивающееся совместно с драматургией, сценографией и иными видами искусства, прошло через самые разнообразные этапы и эстетические направления.

В Древней Греции господствовали два достаточно изолированных друг друга стиля актерского исполнения: монументально-эпический в трагедии и буффонно-сатирический в комедии. Однако и в той, и другой стилистике обязательными были широкий жест, преувеличенное, гиперболическое изображение чувств, форсированное воспроизведение звука. При этом речевые актерские приемы, используемые в трагедии и комедии, кардинально отличались друг от друга: в трагедии – четкое и размеренное произнесение текста (каталоге) сменялось речитативом (паракаталоге) и пением (мелос); речь комедийных актеров была предельно динамична, насыщена резкими и неожиданными переменами интонаций, криком, визгом, захлебыванием от быстрого произнесения текста (пнигос). Общая монументальность и гиперболизированный стиль актерского исполнения диктовался в первую очередь гигантскими размерами театров, вмещавших десятки тысяч зрителей, и тем, что спектакли шли на открытом воздухе – при отсутствии микрофонов. Необходимостью быть увиденным из любой точки гигантского зрительного зала определялись и «преувеличенные» принципы костюмов – котурны, маски, высокие головные уборы в трагедии; уродливые маски, накладные горбы, животы и зады в комедии.